Interview : Bernardo Montet déménage

Bernardo Montet présente sa nouvelle création pour 7 interprètes, Des hommes, les 30 novembre, 1er et 2 décembre à Tours, et le 8 décembre à Bourges. C'est sa dernière pièce pour le Centre chorégraphique national de Tours dont il quitte la direction en cette fin d'année.  

— Comment a émergé cette pièce et la nécessité de sa thématique ? 

— Bernardo Montet : J'écoutais la radio ce matin. Un romancier expliquait que ce n'était pas lui qui choisit les sujets, mais que c'étaient les sujets qui le choisissent. Ils viennent à vous. Des thèmes récurrents traversent mes pièces : la colonisation, l'origine, non pas au sens territorial mais au sens de ce qui nous fonde, la question du genre et de l'assignation, qui se pose dès notre naissance : être un homme, c'est ça, être une femme, c'est ça, être français, etc. Peut-être que dans les œuvres d'art, cette notion éclate, elle déborde. Peut-être que le rôle d'un travail artistique c'est de permettre que les frontières soient plus perméables, en tout cas demandent à être repoussées. Il y a aussi ce mal où l'homme est un loup pour l'homme. Est-ce inévitable ? De quoi sommes-nous faits ? Comment faire pour que cela soit évitable, est-ce l'amour, est-ce se connaître soi-même ?

Le texte sur lequel nous travaillons, Le bagne [1], de Jean Genet (1910-1986) montre comment un espace de liberté peut s'ouvrir malgré une pression énorme. C'est la puissance de l'imaginaire. Genet parlait d'une dépression sans fond. Dans ce vertige, plus il allait vite et s'enfonçait dans la dépression, plus il mettait en place une logique imaginaire pour lui permettre de survivre. Un vertige en entraînait un autre. Je m'y retrouve. J'aborde la question du panoptique, ce lieu d'enfermement : tout est vu et rien ne peut être dissimulé ; seul notre propre corps peut cacher quelque chose. Nous sommes à vue. Dans cette exposition permanente et maximale, comment le corps parvient-t-il à (se) préserver des espaces d'intimité ? 

C'est une pièce minimale, il n'y a rien, tout est blanc. Les costumes sont sobres et monochromes.

— Par rapport à cet enfermement et à cette violence — la sienne et celle des autres — de quels outils disposons-nous ?  

— On qualifie souvent mes pièces de violentes. Je réponds en citant Marina Tsvetaieva, une des compagnes du poète Boris Pasternak. On disait ses poèmes violents. Elle répondait : « Ce ne sont pas mes poèmes qui sont violents, ce sont les sentiments ». C'était une passionnée. Elle ajoutait : « Si vous avez aimé ne serait-ce qu'une fois, c'est très violent ». Si l'on va au bout d'un amour, la passion extrême, cela nous met dans un état déjà physiquement puissant, une sorte de violence dans le sens où le corps ne trouve pas de paix. On ne dort pas. Le moindre regard nous met en pleurs ou en joie. Les sentiments sont au plus haut point. Je veux bien entendre la violence dans ce sens-là. 

Quand deux corps se trouvent réunis, l'un va dominer l'autre. Violence psychologique ou mentale. La violence psychologique et mentale est profonde. Elle est plus difficilement décelable que la violence physique. 

Ma violence est plus dans une forme réflexive. J'ai besoin d'un espace pour écouter ce qui se passe. 

— Durant votre direction à Tours, votre corps et votre danse ont-ils évolué ? 

— Oui. Oui. D'abord j'ai grossi, et j'ai vieilli. Je suis ici depuis pratiquement neuf ans. Par contre, je pense que des choses sont restées constantes. Je suis de plus en plus lucide de cela. Le travail de création ne s'est pas fait uniquement dans un studio. Il s'est déployé de façon horizontale, autour de questionnements :  Quelle est la place d'un créateur dans la cité ? Qu'est-ce qu'être un citoyen engagé, conscient de sa place et de sa responsabilité artistique. Il veille. Quelqu'un qui travaille de 8 à 10 heures par jour sur une machine ne peut veiller. Les moyens qui nous sont octroyés sont là pour rendre l'accessibilité à l'art la plus simple possible. Je me suis beaucoup intéressé aux quartiers, aux populations dites "empêchées", pour reprendre les termes employés. Ce sont des gens qui n'ont pas l'habitude de venir aux spectacles, et qui pourtant ont un geste qui les fonde. C'est la richesse d'un être humain. Chacun d'entre nous a la capacité d'amener quelque chose à la communauté par sa propre recherche. C'est l'espace sensible de chacun. Ne pas toujours être dans un rapport comptable. Proposer un espace de liberté. 

– Quel a été le regard des tutelles (ville, département, région et État) sur cette prise de position ? 

– Elles ne sont pas contre. Mais cela induit d'autres priorités. Je ne suis pas là pour faire briller une ville, mais pour faire que chaque être humain prenne conscience de sa puissance d'individu, de citoyen. Je ne suis pas là pour divertir, façon peut-être de cacher ce qui ne va pas. Divertir, oui, mais pas seulement. Il est important que nous portions avec bonheur, joie et ferveur la communauté dans laquelle nous sommes inscrits. C'est une démarche, c'est un travail. Il est vrai qu'il est plus facile d'allumer sa télé, et de zaper sur les 300 chaînes maintenant disponibles. Mais l'endormissement est plus dangereux que tout. 

— Que pensez-vous de l'outil "Centre chorégraphique national" ? 

— C'est une très bonne question. L'outil a été beaucoup critiqué, mais il demeure un espace très performant, très lié à celui ou celle qui le dirige. L'avantage de ces lieux est qu'ils s'adaptent à ses directrices ou directeurs. On a dix-neuf centres, et dix-neuf sont différents. Ils fonctionnent de façon très différentes les uns des autres. Leur point commun est d'être consacré à la danse, c'est-à-dire à l'art, ce qui est de plus en plus difficile à faire admettre aux politiques. La population comprend de moins en moins pourquoi des outils se consacrent à la recherche et à la création. Nous sommes dans une société comptable, et tout doit se légitimer par des chiffres sur le mode du "Combien ça rapporte ?". Une anecdote : dans un atelier, la première année, une femme demeure assise dans le public. La deuxième année, elle est allée avec sa chaise se mettre avec les autres. La troisième année, elle participe. La quatrième année, elle invente, elle crée. C'est magnifique. Quels sont les espaces qui permettent cette durée ? Il n'y en a pas. Aujourd'hui la question de l'individu est complètement écartée. On doit remplir une charge au sens quantitatif du terme, et si on ne la remplit pas, on est jeté. La question de l'individu est de moins en moins première. L'artiste est là pour la remettre au centre. C'est à partir de l'individu qu'une communauté se construit. Ce n'est pas un projet sur un papier. 

— Voulez-vous diriger un autre Centre chorégraphique national ? 

— Non. 

— Pourquoi ? 

— Diriger un Centre c'est diriger des équipes, des psychologies, c'est avoir les mains dans le cambouis politique, c'est souvent répondre. Je pense que j'ai besoin d'un peu de recul, et de me consacrer plus à moi en tant qu'artiste et chercheur, et moins en tant que directeur de projet. Etre moins redevable à la communauté. 

— Est-ce qu'il faut inventer de nouveaux outils [pour la danse] et lesquels ? 

— Oui, il faut inventer de nouveaux outils qui soient en phase avec l'évolution de notre société. Aujourd'hui, la planète devient un village. On le voit en ce moment avec ces problèmes d'euros, de grèves, avec ce qui se passe en Europe. Une autre mentalité est à mettre en place. Les outils actuels sont trop fermés, trop cloîtrés sur des modalités qui ne sont plus efficaces. Aujourd'hui, dans nos lieux, on doit être bilingue, trilingue, quadrilingue, c'est l'évidence. On ne peut plus se contenter uniquement du français. Dans les centres chorégraphiques vous entendez parler anglais très couramment. Dans les autres pays, les langues étrangères sont plus pratiquées. Les outils doivent être moins institutionnels, et plus en phase avec les besoins de la population. La circulation des artistes, nationaux et internationaux, doit être plus importante. L'institution n'est pas dans cette logique. Pour elle, un artiste c'est un lieu ou un lieu, un artiste. 

Le musée est un espace de conservation. Or un musée pourrait être un espace de création. Il existe un espace consacré à la danse qui s'appelle Musée, où l'on fait de la création [le Musée de la danse - Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, créé et dirigé par Boris Charmatz, depuis le 1er janvier 2009, cf. ICI]. On ne doit pas changer de label, mais le re-questionner, ou le questionner. 

— On conserverait le nom de "Centre chorégraphique national" ? On n'invente pas un nouveau nom ?  

— Concernant le qualificatif de "national" : le mot "national" a une telle consonance aujourd'hui, qu'il faudrait lui substituer "international", d'emblée. Institutionnellement parlant, être "national", c'est considérer que notre nation peut être seule, complètement autonome. Or, cette dernière est forcément en porosité avec ce qui se passe autour. On doit revisiter tous les principes fondateurs de la démocratie et de l'altérité. Le mot "démocratie" est beau, comme "liberté". N'en inventons pas un autre. Mais peut-être faut-il réactiver ce terme. Avant, la parole était source de magie. Celui qui parlait était source de magie. Encore aujourd'hui. Ceux qui ont de l'éloquence ont plus de pouvoir. Le pouvoir politique est aussi un pouvoir magique. Les mots peuvent guérir, ou tuer. 

—  Comment envisagez-vous la question de l'après-Centre chorégraphique ? 

— Je prévois d'aller dans un espace, imposant mais non institutionnel, de 6.000 m², avec deux cinémas d'art et d'essai, une salle de concert de musique actuelle, une compagnie de danse et une compagnie de théâtre [2]. Ces quatre associations mènent un projet commun. On est en préfiguration durant l'année 2012, à Morlaix, en Bretagne. Ce projet me passionne au plus haut point. Ce sont des artistes qui en sont à l'origine. Ils ont une certaine bouteille, comme on dit. Ce qui leur évitera certains enthousiasmes juvéniles. Ma place est de donner une dimension internationale au projet, au-delà de nos frontières et de nos océans. Penser là où je suis, mais avec le monde. Emporter le monde avec nous. 

Bernardo Montet : De Tours (en bas à droite) à Morlaix (en haut à gauche, noté (A))
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—  Le statut de la compagnie sera compagnie indépendante ? 

—  Précisément, il s'agit d'une compagnie indépendante à l'intérieur d'un projet. Mais j'ai déjà été compagnie indépendante. Comme disait Nietzsche, quand on est en haut de la colline, isolé, il faut redescendre dans la vallée pour se confronter au peuple, et quand on est trop à l'aise dans cette position, on doit repartir dans la colline pour réfléchir. La direction d'un lieu institutionnel n'est pas un plan de carrière. Il est lié à un projet. Un centre chorégraphique, c'est une équipe qui se mobilise sur le projet d'une femme ou d'un homme (sur différents niveaux). Dans la configuration d'une compagnie indépendante, c'est impossible (budgétairement) car on est (pratiquement) seul. 

— Il existe des compagnies indépendantes qui sont associées à des lieux.

— On est associé, mais on n'est pas à l'origine d'un projet. C'est le directeur du lieu qui a son propre projet, la compagnie indépendante le nourrissant. Si la compagnie a son propre projet, c'est compliqué.

— Vous serez dans un collectif. 

—  Le terme collectif a été beaucoup utilisé. Je préfère celui d'agglomérat. Ça s'agglomère. Le cinéma rencontre le public plusieurs fois par jour, ce qui n'est pas le cas du théâtre et de la danse. Comment associer ces différents publics ?

La révolution a touché ces derniers temps plusieurs pays ou territoires : le Maghreb, le Machrek [ou Orient arabe (Egypte, Syrie, Irak, etc.) ; Machrek signifie Levant, par opposition à Maghreb qui veut dire Couchant], Madagascar, la Jamaïque ou Haïti. Comment ces révolutions résonnent en moi ? Comment elles me touchent ou me laissent impassible. Il existe un cinéma ou des cinémas dans ces espaces. Il est important d'être à son/leur écoute. Par ailleurs, en Tunisie, un mot signifie "La jouissance par le regard", qui n'est utilisé que pour les hommes. Or, aujourd'hui des femmes philosophes Tunisiennes veulent elles aussi jouir par le regard tout en se disant femmes. C'est une révolution intellectuelle. Elle n'est pas qu'artistique, mais touche tous les niveaux. 

Nous sommes des lieux de ralentissement. Nous pouvons accueillir des gens dans des lieux où ça ralentit. On n'est pas obligé d'être toujours dans une suractivité.   

— Comment évolue votre budget, de Centre chorégraphique national à compagnie indépendante ? 

— Je passerai d'un budget de 1,6-1,5 million à 80.000-130.000 € (par an). Cela n'a plus rien à voir, mais en même temps c'est une grande liberté. Ça se paie, la liberté. 

[1] Jean Genet a beaucoup travaillé le texte, qui n'ait cependant paru qu'après sa mort, en 1994, aux éditions L'Arbalète.
[2] À travers l'association SEW (Siou), pour Salamandre-Entresort-Wart (respectivement consacrées au cinéma d'art et d'essai, au théâtre contemporain et aux musiques actuelles). SEW sera installé dans les bâtiments de l'ancienne Manufacture des tabacs (cf. ICI, et ICI). 

PHOTOS Le portrait de Bernardo Montet est signé Marc Jauneaud. Les autres photos sont de Bernard Duret. 

▶ Des hommes, de Bernardo Montet, mercredi 30 novembre 19h, jeudi 1er décembre 20h et vendredi 2 décembre 20h (www.ccntours.com), et jeudi 8 décembre à Bourges (au Nadir, Emmetrop, ICI)
Avec Armelle Dousset, Raphaël Dupin, Bernardo Montet, Michèle Murray, Haja Saranouffi, Dimitri Tsiapkinis, Marc Veh. 
▶ Rencontre autour de Jean Genet, Avec Albert Dichy (directeur  littéraire de l'Institut Mémoires de l'Édition Contemporaine [IMEC] - Paris) et coéditeur de Jean Genet à la Pléiade, Geneviève Vincent (Assistante et texte) et Bernardo Montet, À la Librairie Le Livre 24 place du Grand Marché, Tours, Entrée libre. 
▶ Atelier de pratique, La question du corps dans l'œuvre de Genet, lundi 5 décembre, de 19h à 21h, Avec Bernardo Montet et Geneviève Vincent, Gratuit. 

Une merveille : Sophie et Itay

Pétition pour défendre les arts au Congo

C'est avec plaisir que nous publions la lettre ouverte suivante (version en anglais ou en néerlandais ICI). La France n'étant pas une île, soutenir le combat pour les arts dans un autre pays nous semble primordial. POUR SIGNER LA PÉTITION ICI

Drapeau et armoiries du Congo

"Poète, ton silence est crime"
Matala Mukadi Tshiakatumba

Nous, intellectuels, écrivains et artistes, citoyens et amis de la République démocratique du Congo lançons un appel, sous la forme de lettre ouverte adressée aux candidats à l'élection présidentielle, afin de les alerter sur la place et l'importance accordée aux arts et à la culture dans notre pays.

En effet, en cette nouvelle ère de démocratisation du pays, il est de notre devoir de prendre nos responsabilités et de contribuer à la réflexion collective.

"Poète, ton silence est crime", a dit le poète Matala Mukadi Tshiakatumba.

Alors, nous, intellectuels, écrivains et artistes, de quel pays rêvons-nous ? Quel est le pays de nos rêves ?

Si vous vous reconnaissez dans cette lettre ouverte qui appelle à une coalition pour les arts et la culture, que vous soyez écrivain, artiste ou tout simplement ami du Congo, ou ami des beaux-arts, vous pouvez signer la pétition en cliquant sur le lien.

Pour signer la pétition en ligne, il suffit de "cliquer" sur la fonction installée en bas du texte.

Vous recevrez ensuite un email de validation. Le nom de famille et l'adresse email des signataires ne sont pas publiés sur le site.

La lettre ouverte sera diffusée via la presse écrite et Internet. Une fois la liste des signataires arrêtée, elle sera remise à chacun des candidats à l'élection présidentielle le 20 novembre 2011.

PÉTITION POUR UNE COALITION DES ARTS ET DE LA CULTURE EN RÉPUBLIQUE DÉMOCRATIQUE DU CONGO

LETTRE OUVERTE
À MESSIEURS LES CANDIDATS À L’ELECTION PRESIDENTIELLE

Nous, intellectuels, écrivains et artistes, citoyens et amis de la République démocratique du Congo, saisissons l’opportunité de l’élection présidentielle pour vous interpeller sur la place et l’importance que vous accordez à la culture dans votre vision présidentielle de la gouvernance de notre pays.

En effet, depuis l’indépendance, la primauté des enjeux de conquête de pouvoir a entraîné l’éviction de la culture des priorités de développement. En conséquence, la culture est aujourd’hui absente des grands chantiers de la nation. 

La culture, dans sa dimension savante et populaire, traditionnelle et éducative, recouvre pourtant la part la plus importante du sens de notre place dans l’univers et dans le concert des nations. Aujourd’hui, elle est même le moteur de la montée en puissance de toutes les nations émergentes. 

Les Beaux Arts, les Lettres, le Cinéma, le Théâtre, la Danse, la Chorégraphie, le Dessin, la Peinture, la Sculpture, le Chant, la Musique, le Design, la Mode, le Stylisme et l’Artisanat, sont autant de gisements créateurs d’emploi et de richesse. Vecteurs de cohésion sociale et de connaissance mutuelle de nos populations, la culture est au centre de tous nos liens humains en tant que peuple et en tant que nation. Ses disciplines, ses métiers et ses filières apportent une valorisation économique essentielle. 

Un pays aussi important que le nôtre sur la carte géopolitique du monde, qui aspire à rejoindre les rangs des pays émergents, ne peut souffrir l’inexistence d’infrastructures culturelles adaptées aux normes professionnelles. Cette carence n’est pas à la hauteur de la grandeur que nous devons à notre pays, à notre peuple et à notre histoire.

Un développement digne de ce nom se doit de mobiliser les ressources de l'imaginaire. Elles sont la sève fécondante et le nutriment indispensable à l’avènement d’une société véritablement pluraliste. En conséquence, l’imaginaire ne devrait-il pas être la source créatrice d’actions innovantes pour le prochain quinquennat présidentiel? 

Dans votre vision de la gouvernance, la culture est-elle l’outil indispensable à l’harmonisation de vos projets avec les aspirations de notre peuple, son historicité, sa mémoire, son langage et ses affects ? 

Comment bâtir une nation forte, soudée autour des grands enjeux qui structurent le monde d'aujourd'hui et de demain sans prendre appui sur une culture nationale débarrassée des miroirs déformants du passé. 

C'est le rôle de la culture et des arts que de forger un nouvel imaginaire capable d'engendrer un Congolais décomplexé, réconcilié avec lui-même et désireux de prendre en charge sa destinée dans un esprit d'émulation et de complémentarité avec les autres. Les prescrits de la mondialisation ne sauraient en aucun cas réduire le développement d'un peuple à une adhésion aveugle qui ne tiendrait pas compte de la connivence avec soi. 

Nous devons rejeter les schèmes d'hier. Le système éducatif se devrait d’adopter un schéma culturel pensé par nous-mêmes et pour nous-mêmes. Forger une histoire, écrite par nous-mêmes, pour nos enfants et les générations à venir, c'est doter la postérité du legs précieux de notre identité. Dans cette nouvelle ère de démocratisation du pays, la culture se doit de jouer le rôle essentiel de gardienne des libertés fondamentales. 

Aujourd’hui, et pour son avenir, notre pays n’a-t-il pas grandement besoin de s’équiper d’espaces de référence et des rouages qui stimuleraient la conversation citoyenne, promouvraient une culture dynamique, imprégnée de tolérance généreuse et des valeurs civiques ? 

Le chantier des arts et de la culture ouvrirait la création de milliers d’emplois et contribuerait au développement social. À titre d’illustration, notre pays, qui compte près de 60 millions d’habitants et une jeunesse assoiffée de connaissances, ne possède ni librairies, ni salles de cinéma, ni théâtres, ni bibliothèques publiques dignes de ce nom. La créativité congolaise, dans les métiers des arts et de la culture, n’est ni canalisée, ni prise en charge. Des lieux et institutions destinés à incarner la culture manquent à l'appel. Les artistes, les intellectuels, les écrivains sont condamnés à une précarité qui contraste avec leur contribution à la représentation de notre pays. 

Notre patrimoine souffre d'une méconnaissance sévère et d'un déficit promotionnel criant car, faute de schéma politique, nombre de nos institutions culturelles et éducatives sont des coquilles vides.

Dans votre vision de la gouvernance du pays, n’est-il pas du devoir de l’Etat congolais d’aménager et de promouvoir des lieux de culture sur toute l’étendue du territoire ?

Depuis l’indépendance, l’Etat congolais témoigne de faiblesses notoires dans le champ des industries culturelles, de l’éducation et de la jeunesse qui l’empêche d’assumer pleinement ses missions de solidarité collective. 

Excellences, Messieurs les candidats à l’élection présidentielle, face à notre désir national de « bâtir un Congo nouveau », un « pays plus beau qu’avant », ne pensez-vous pas que l’heure est enfin venue de faire de la culture l’essence même de notre épanouissement ?

Nous, intellectuels, écrivains et artistes, citoyens et amis de la République démocratique du Congo, saisissons l’opportunité de l’élection présidentielle pour vous interpeller sur l’importance, la place et l’objectif que vous accordez à la culture dans votre vision présidentielle.

Une journée avec Zombie Boy

Précision : La scène finale peut choquer certains   :)

« A behind the scenes look at the fashion editorial we shot for the November issue of Inked Magazine featuring Rick Genest (AKA ZOMBIE BOY). He was gracious enough to spend some time talking a little bit about what it's like to be him and what he's been up to lately.

Directed, Filmed and Edited by Michael Hurley for Inked Magazine
Additional Direction by Valentina Ramos
Featured Music by :  Trent Reznor & Attitcus Ross, Ray Noble & His Orchestra
See Rick's full feature in the November Issue of Inked Magazine with Photography by Michael Dwornik.

Styled by Youg-Ah Kim, Creative Director Todd Weinberger, 

For More Please Visit www.inkedmag.com/ » 

▷ PHOTOS de la séance, dans le magazine INKED > ICI
▷ Rick Genest, le zombie que tout le monde s'arrache, par Anabelle Nicoud, Les Inrocks, 2 mai 2011. ICI

"Golgota Picnic, un spectacle qui blesse", selon l'épiscopat

(Paris, le 10 novembre 2011, AFP) La pièce Golgota Picnic de Rodrigo Garcia, qui débute jeudi soir à Toulouse, avant d'être donnée au Théâtre du Rond-Point à Paris, "est un spectacle qui blesse", a déclaré jeudi Mgr Bernard Podvin.

Pour le porte-parole de la Conférence des évêques, "on ne peut pas ne pas être inquiet devant un spectacle de cette nature et notre réprobation est évidente", a-t-il déclaré à l'AFP.

"C'est un spectacle radicalement différent de la pièce de Romeo Castellucci, Sur le concept du visage du Fils de Dieu et nous n'avions pas attendu que Civitas fasse cet amalgame intégriste pour exprimer notre réprobation dès le mois de septembre".

"La liberté d'expression est à respecter comme sacrée ? Qu'elle respecte donc aussi ce qui est sacré !", s'était-il insurgé à propos de ce "picnic" particulièrement provocateur.

"Ce spectacle blesse et blessera", a-t-il ajouté, soulignant que l'Eglise catholique choisissait "des méthodes de paix", mais que "cet événement sonne comme une alerte".

Mgr Podvin a renvoyé au discours du cardinal archevêque de Paris Mgr André Vingt-Trois prononcé mercredi lors de clôture de l'assemblée plénière des évêques de France qui s'est tenue du 4 au 9 novembre à Lourdes (Hautes-Pyrénées).

"Deux spectacles, différents dans leur intention et dans leur réalisation, a déclaré le président de la Conférence épiscopale, ont suscité un vif émoi parmi les chrétiens. Nous comprenons le trouble de beaucoup devant des oeuvres difficiles à interpréter".

"Nous devons aborder ces événements, qui revienne périodiquement, sans nous laisser enfermer dans une forme de débat où l'Eglise se défendrait elle-même comme un groupe minoritaire dans une société pluriculturelle ou même hostile".

"Nous ne pouvons pas oublier qu'il y a une logique de l'Incarnation. En Jésus, a poursuivi Mgr Vingt-Trois. En Jésus, Dieu s'est livré aux mains des hommes. Notre foi au Christ nous appelle à le suivre dans la manière dont lui-même a affronté l'adversité, la violence, la haine".

"L'artiste doit expliquer son intention. Ne doit-il pas aussi prêter attention à la foi des humbles, l'écouter et se laisser toucher en voyant qu'elle se traduit le plus souvent par un amour réel des plus souffrants parmi nous ? Le Crucifié de Jérusalem a-t-il une parole à dire ?" s'est encore interrogé le cardinal archevêque de Paris.

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EXTRAIT du Discours de clôture de l'Assemblée plénière de la Conférence des évêques de France, par le  Cardinal André Vingt-Trois, Archevêque de Paris, Président de la Conférence des évêques de France, 9 novembre 2011

« Deux spectacles, différents dans leur intention et dans leur réalisation, ont suscité un vif émoi parmi les chrétiens. Nous comprenons le trouble de beaucoup devant des œuvres difficiles à interpréter. Nous devons aborder ces événements, qui reviennent périodiquement, sans nous laisser enfermer dans une forme de débat où l'Église se défendrait elle-même comme un groupe minoritaire dans une société pluriculturelle ou même hostile. Nous ne pouvons pas oublier qu'il y a une logique de l'Incarnation. En Jésus, Dieu s'est livré aux mains des hommes. Notre foi au Christ nous appelle à le suivre dans la manière dont lui-même a affronté l'adversité, la violence, la haine. Plus largement que les deux spectacles en question, nous sommes donc invités à une réflexion sérieuse sur notre rapport avec des créations culturelles dont les intentions ou les réalisations offusquent notre amour du Christ.

Des œuvres évoquent explicitement le Christ, Fils de Dieu. Souvent, il s'agit du Crucifié sur le mont Golgotha. Elles ne manquent pas d'interroger. Pourquoi le visage du Crucifié questionne-t-il tant ? De quelle force est-il porteur ? Quelle lumière nos contemporains y cherchent-ils avec tant d'assiduité ? Quel sens veulent-ils donner à la violence ou à l'outrance des images qu'ils produisent ? Aucun spectateur ne peut rester indifférent. Il est amené à se prononcer dans sa quête du vrai, du beau, de la transcendance, et pour tout dire de l'amour qui ne contourne pas les souffrances et les misères humaines. Ces œuvres obligent aussi les chrétiens à s'interroger et à chercher quels appels elles expriment, quelles recherches de Dieu s'y manifestent.

Certaines œuvres sont provocantes et leurs provocations blessent bon nombre de spectateurs, chrétiens ou non. L'artiste doit expliquer son intention. Ne doit-il pas aussi prêter attention à la foi des humbles, l'écouter et se laisser toucher en voyant qu'elle se traduit le plus souvent par un amour réel des plus souffrants parmi nous ? Dans ce dialogue entre l'art et la foi, se situe l'énigme de la souffrance humaine. Celle-ci est vive aujourd'hui : où trouver l'espérance ? Le Crucifié de Jérusalem a-t-il une parole à dire ? Comment sa croix annonce-t-elle quelque chose de bon pour l'homme : le salut. Reconnaître ces questions et entrer dans le dialogue est la première tâche des chrétiens. Que ceux-ci ne se trompent pas de combat. C'est d'abord un combat sur eux-mêmes. Être toujours plus fidèles à leur foi dans la société contemporaine en proie à la crise de sens que nous connaissons tous, tel est le véritable combat que les chrétiens ont à vivre. Ils ne le mèneront jamais mieux qu'en s'efforçant d'imiter au plus près leur Seigneur, en vivant de son inépuisable pardon. Voilà le témoignage auquel nous, chrétiens, nous sommes tous conviés. Car le visage du Christ, mieux que nulle part ailleurs, se laisse voir en ses disciples, aujourd'hui comme hier.

L'indifférence, l'incompréhension, la méconnaissance ou le rejet qui s'expriment à l'égard du Christ et de la foi nous touchent tous dans notre amour du Seigneur et notre amour des hommes. Cette blessure ne doit pas et ne peut pas se transformer en violence verbale, et moins encore physique. Elle doit nourrir notre prière, prière personnelle et prière communautaire. Elle doit motiver notre désir de faire connaître le vrai visage du Christ, tel qu'il s'est révélé dans sa Passion et sa crucifixion. À Pierre, il a fait rengainer son glaive. Aux femmes de Jérusalem, il a enjoint de pleurer sur elles-mêmes et leurs enfants. Devant les puissants qui allaient le juger et devant les agressions des soldats, il s'est tu. Sur la croix, il a prié pour ses bourreaux. Suivons donc son exemple et prions pour ceux qui ne le reconnaissent pas ou qui le maltraitent et pour ceux qui sont blessés dans leur amour pour lui. C'est ainsi que nous communions au Christ. » (Source : ICI)

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COMMUNIQUÉ GOLGOTA PICNIC 

Théâtre Garonne, Toulouse, le 27 octobre 2011

Le théâtre Garonne, comme d'autres théâtres en France, subit depuis plusieurs semaines des pressions et des menaces visant à annuler les représentations du spectacle de Rodrigo Garcia, Gólgota Picnic. Ce spectacle a été présenté pendant cinq semaines au Centre Dramatique National de Madrid, puis dans plusieurs villes européennes, sans aucun incident. Une autre oeuvre est visée par cette campagne : Sur le concept du visage du fils de Dieu, de Romeo Castellucci, présentée ces jours-ci au Théâtre de la Ville à Paris qui subit des attaques sans précédent :

Ce mouvement est initié notamment par l'Institut Civitas qui se définit comme un "mouvement politique inspiré par le droit naturel et la doctrine sociale de l'Église et regroupant des laïcs catholiques engagés dans l'instauration de la Royauté sociale du Christ sur les nations et les peuples". L'Institut Civitas accuse ­ sans fondement Golgota Picnic­ d'offenser la figure du Christ et la religion catholique, qualifiant le spectacle de "blasphématoire". Ce faisant, il dénie le droit inaliénable à la liberté d'expression qui s'inscrit dans le cadre de la loi.

La violence et la haine déclenchées, au-delà de l'inquiétude légitime qu'elles suscitent, appellent en retour une responsabilité citoyenne. Le théâtre Garonne, solidaire des théâtres visés, revendique par ailleurs pleinement les raisons artistiques qui l'ont amené à programmer le spectacle de Rodrigo Garcia, qui sera montré à Toulouse aux dates prévues.

Jacky Ohayon et l'équipe du Théâtre Garonne

Gólgota Picnic
du 16 au 20 novembre, théâtre Garonne (Toulouse) Théâtre Garonne
du 8 au 17 décembre, Théâtre du Rond-Point (Paris)  Théâtre du Rond-Point / Festival d'Automne à Paris

Unes de Charlie Hebdo : Charia Hebdo + L'amour plus fort que la haine

▼ Numéro paru le mercredi 9 novembre 2011

▼ Numéro paru le mercredi 2 novembre 2011

   À la suite de cette une, le siège du journal a été victime

                      d'un jet de cocktail/s molotov qui a détruit ses locaux     En savoir +

MEN, "Credit Card Babies" live @ SXSW 2010 + Who Am I To Feel So Free + Boom Boom

www.myspace.com/men     http://blog.menmakemusic.com/

Première édition du festival franco-indien DanSe Dialogues, en Inde

The French Embassy in India is pleased to present 

    the first Indo-French contemporary dance festival  :    DanSe Dialogues   

Facebook de DanSeDialogues

Drapeau de l'Inde et Emblème de l'Inde

« Opening in Delhi on 2 November 2011, DanSe Dialogues will feature three French choreographers touring Delhi, Chennai and Bengaluru to present their productions alongside ten Indian dance companies spread over the three cities. DanSe Dialogues will also involve Masterclasses, video screenings of dance films and Encounters with French choreographers.

DanSe Dialogues aims to create interest in French and Indian contemporary and alternative dance practices and participate in the growth of such dance in India. Thus, it will foster exchanges and meetings between professionals of both countries and encourage Indo-French projects. The ambition is to strengthen the artistic cooperation between France and India in the field of contemporary dance. »   Lire la suite

The festival will take place in Delhi from 2-8 November, in Chennai from 5-12 November, and in Bangalore from 8-12 November 2011.

     LES CHORÉGRAPHES    Présentation détaillée

De gauche à droite. 
En haut : Anusha Lall - Hiroshi Miyamoto - Mandeep Raikhy - Aditi Mangaldas 
 Photos: Charudutt Chitrak - Cylla Von Tiedemann - Desmond Roberts - Anja Buetler, Courtesy Kampnagel

Au milieu : Navtej Johar - Brahim Bouchelaghem - Dominique Boivin - Philippe Priasso 

                    Photos : DR - Frédéric Iovino - Sylvie Friess - Sylvie Friess 

En bas : Brigitte Chatagnier - Jérôme Bel Photos : Richard Volante - Herman Sorgeloos

    VIDÉODANSE       Présentation détaillée