Livre de photos - Les Étoiles de James Bort

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Benjamin Millepied a invité le photographe James Bort, — époux à la ville de la danseuse étoile Dorothée Gilbert, — à saisir les 18 danseurs étoiles du Ballet de l'Opéra national de Paris. Les séances se sont déroulées sur un temps très court, trois jours en juillet 2015. Il a été proposé à chacun de choisir son costume de personnage de ballet préféré. 

Dans sa préface, Benjamin Millepied écrit : « Derrière le danseur et la danseuse, ce sont d'abord l'homme et la femme qui transparaissent, chacun voit sa personnalité révélée sous l'œil du photographe. » Jusqu'où en effet peut-on contrôler son image, et lui faire dire autre chose que la réalité ? Un cliché montre-t-il un état durable ou passager ? Un visage, c'est une vie. Et comment un être arrive-t-il (ou pas) à protèger son humanité dans une institution aussi dure que l'Opéra de Paris ? 

Ainsi, il semble que l'on puisse contempler la simplicité (au sens noble) de Stéphane Bullion et l'élégance de Mathias Heymann, pour le meilleur. Et, ailleurs, le visage éteint de l'un, la prétention de l'autre, la dureté ici, la violence là. 

Fabien Rivière

Couverture : Marie-Agnès Gillot. 
(du haut vers le bas) Stéphane Bullion - Mathieu Ganio

LIVRE Étoiles, de James Bort, Collection « Beaux livres », 80 pages, 18 x 25 cm, Éditions Cherche Midi, Paris, 28 €. Publié le 24 mars 2016. Site
EXPOSITION des photographies de James Bort à partir du 18 mars jusqu’au 17 avril 2016 à l’Opéra Bastille.

Manifestation des gens du cirque : « Notre mort est programmée »

Jeudi 24 Mars 2016 

« Au petit matin ce jeudi, une centaine de responsables de cirque ont manifesté Porte de Vincennes (Paris 20e). Depuis deux ans, les cirques peinent à trouver des terrains pour les accueillir dans leur commune. Pour se justifier, les maires invoquent des prétextes jugés illégitimes par les intéressés. Pour alerter sur leur condition, ils ont donc décidé d'organiser une opération escargot sur le périphérique parisien. »

Kazuo Ohno

Hommage - Dick Annegarn, Bruxelles

Raf Stahelin, Sergei Polunin

Sergei Polunin est un danseur classique.

Jason Evans filme Taveaus ‘DynaMc’ Woods

Paris - Trois jours de Danse contre le Racisme

Le Musée national de l’histoire de l’immigration est situé à Paris en bordure du Bois de Vincennes dans le 12°. Il s’engage, lors de la Semaine (nationale) d’éducation et d’actions contre le racisme et l’antisémitisme, — espérons qu'un jour proche elle intègre les dimensions misogynes et homophobes qui relèvent de la même haine de l'Autre — proposant une programmation de qualité du mardi 22 au dimanche 27 mars 2016. 

« Le 21 mars a été proclamé Journée internationale pour l'élimination de la discrimination raciale en 1966 par l'Assemblée générale des Nations Unies. Alors que la loi du 8 juillet 2013 a réaffirmé avec force la mission de l’école de faire acquérir à tous les élèves le respect de l’égale dignité des êtres humains, de la liberté de conscience et de la laïcité, il apparaît nécessaire de redonner une impulsion nationale forte aux actions éducatives menées dans le champ de la prévention du racisme et de l’antisémitisme, de la défense et de la promotion des Droits de l’Homme et des principes fondamentaux de la République. »

Il faut des conditions sociales minimales en terme d'école, de santé, de travail, de vie publique pour assurer ce projet. Ce n'est pas le moindre des paradoxes pour un gouvernement qu'affirmer un principe d'un côté, et mettre en œuvre de l'autre une politique ultra libérale qui détruit ces conditions de vie, et dont on connaît la barbarie qu'elle engendre.

Au Musée national de l’histoire de l’immigration : 70 événements gratuits, performances, débats, séances de cinéma, ateliers, forum citoyen, feront de cette semaine un événement pluridisciplinaire pour mobiliser et sensibiliser le public, et notamment les jeunes, à la lutte contre toutes les formes de racisme. #TousUnisContreLaHaine 

Fabien Rivière

www.histoire-immigration.fr

Vendredi 25 mars 20h30 – 23h 

Asphalte de   Pierre Rigal  

Samedi 26 mars 20h30

Répertoire #1 de      Mourad MERZOUKI    

Autour des pièces chorégraphiques « classiques » du hip-hop, la poésie métissée de Mourad Merzouki s’enrichit des partitions d’Anthony EGEA, des chorégraphies de Bouba LANDRILLE TCHOUDA, des récits oniriques de Kader ATTOU et de la danse instinctive de Marion MOTIN.

Dimanche 27 mars 19h30

Heroes, prélude de      Radhouane EL MEDDEB   

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Benjamin Pech, dernière danse

Benjamin Pech : Dernière Danse - Canal +,  Le Supplément,  dimanche 13 mars 2016

Danse - La Ministre de la Culture visite, muette, l'Atelier de Paris Carolyn Carlson

Canal +, Le Supplément, dimanche 13 mars 2016.

—— MISE À JOUR du 22 mars 

La Ministre de la Culture s'est déplacée à l'occasion de la Journée internationale des droits des femmes le 8 mars, pour le projet Ladies First. Facebook  En savoir +

VIDÉO PROMOTIONNELLE PRODUITE PAR LE MINISTÈRE DE LA CULTURE

PJ Harvey, The Wheel (2016)

Tourné au Kosovo.
Le réalisateur, Seamus Murphy, explique : 

Nous saluons la vie de Nesim Kryeziu (1938-2016), l’homme merveilleux qui, dans le film, fait une danse traditionnelle avec un verre d’eau sur la tête. Cette scène a eu lieu lors d’un mariage dans son village de Brezne, dans la région de Opoja, au Kosovo.

Exceptionnel: John MacArthur explique les situations politique, économique et militaire des États-Unis

John MacArthur est le directeur du mensuel États-Unien Harper's Magazine. 

Une de Harper's Magazine, janvier 2016

Aveyron : Ouverture de L'Essieu du Batut à Murols

Vues de L'Essieu du Batut; en rouge : Murols, en Aveyron

Christian Hervé a fondé il y a 30 ans à Murols une ferme équestre associant loisir et résidence d'artistes. 

Murols est une commune située au nord du département de l'Aveyron, en région Languedoc-Roussillon-Midi-Pyrénées. Elle comptait selon le recensement 108 habitants en 2013. Démographiquement, elle connait une lente désertification, — passant de 729 habitants en 1800 à 469 en 1906 — qui se poursuit jusqu'à aujourd'hui.     

Emmanuelle Lyon

De nouveaux voisins ont rejoint Christian Hervé : Emmanuelle Lyon, enseignante en danse classique et spécialiste en Analyse Fonctionnelle du Corps dans le Mouvement Dansé (AFCMD), elle enseigne régulièrement au Centre national de la danse (CND) à Pantin pour la formation au Certificat d'Aptitude (CA) et au Diplôme d'Etat (DE) ainsi que pour les danseurs du Ballet de l'Opéra de Paris, en tant que chargé de cours à l'université Paris 8 Saint-Denis, pour l'anatomie à l'école du ballet de l'Opéra de Paris ainsi que pour la formation des acrobates à l'Ecole Nationale des Arts du Cirque (ENAC) de Rosny-sous-Bois (93) depuis 1998. Le mari d'Emmanuelle Lyon, Robin, est luthier et sculpteur connu.  

Ensembles, ils ont fondé fin 2011 l'association L'Essieu du Batut dont l'objet est de « promouvoir toutes formes d’activité artistique, culturelle et d’artisanat d’art sur le site du Batut, commune de Murols Aveyron avec un rayonnement local, régional, national. » Siège social : Le Batut, 12600 Murols. Date de la déclaration : 7 décembre 2011. Madame Morquin Christine, responsable des résidences d'artistes au Théâtre de la cité internationale à Paris, est la présidente de l'association. 

Un bâtiment est en voie d'achèvement en ce mois de mars 2016. À moyen terme, la création de deux emplois permanents est prévue. L'association a présenté le 2 janvier son lieu sur son compte Facebook, et appelé à des propositions de résidence :   Facebook

Meilleurs Vœux 2016 à tous! Le Studio est bientôt fini! On attend vos projets de résidence avec impatience! Contactez nous en MP [message privé]! Les fondations sont terminées et les murs de 7 mètres de haut sont montés. La suite des travaux est prévu dès début janvier. Une fois achevée, la salle fera 140 m2 (14,30 m X 9,30 m) et 7 mètres de haut dont 6 mètres sous poutres. Elle sera équipée d'un parquet flottant, d'un tapis de danse et du matériel nécessaire pour installer des agrès de cirque. Les artistes et leur équipe seront logés dans la maison d'hôtes située dans le hameau du Batut. Elle est aménagée de chambres simple, double et d'un petit dortoir, le tout permettant d'héberger une douzaine de personnes, d'une grande cuisine équipée, d'une grande salle de séjour avec une terrasse, et de 2 salles de douche. La première résidence d'artistes est programmée du 2 au 8 mai et d'autres sont déjà prévues. Vous pouvez dès maintenant nous envoyer votre demande de résidence accompagnée d'une présentation de votre projet en incluant vos besoins techniques.

Du cirque et de la danse (avec la danseuse et chorégraphe Christine Bastin en août 2015) ont déjà été accueillis.

Fabien Rivière avec La Dépêche - Aveyron

Mathieu Bleton et Enzo

Hadrien, 15 ans, autiste, raconté par son petit frère

Témoignages : Mon frère est autiste

Films - Deux jardins — Two gardens

 March 7, 2016

The Wild Garden

A walk through the perennials with High Line flora designer Piet Oudolf 

Renowned Netherlands-born garden designer Piet Oudolf uses his one-acre garden in the Dutch village of Hummelo to study perennials through the seasons. Known for inspirational projects including the High Line and Battery Park in New York, and the interior garden of the Serpentine Gallery Pavilion in London (in collaboration with Swiss architect Peter Zumthor), Oudolf is fascinated with all aspects of the life cycle of plants, seeing the beauty of them as they grow and die. As one of the owners of forward-looking company Futureplants, Oudolf has been able to cross-fertilize and cross-pollinate to create more than 70 new breeds of plants.

 September 9, 2015

The Historic Estate Garden: Chatsworth

The last of summer horticulture with the Duke of Devonshire 

As far as country piles go, Chatsworth is as grand as it gets. The garden grounds cover 105 acres seamlessly blended into the surrounding 1,000-acre park along the Derwent River valley in Derbyshire, England. “For a relatively formal garden, especially compared to the French or Italian, I love the wilderness they’ve allowed with wild pockets and connecting fields,” says director Marcus Werner Hed, who was given an intimate tour of the grounds by the 12th Duke of Devonshire, Peregrine Cavendish. 

“For a relatively formal garden, I love the wilderness they’ve allowed with wild pockets and connecting fields”

Chatsworth’s legacy has evolved over six centuries from its construction by Sir William Cavendish and Bess of Hardwick in 1555, taking in the 1st Duke of Devonshire’s (1684-1707) baroque features, such as the Cascade House; the naturalization of landscape architect Lancelot “Capability” Brown, who replaced ponds and parterres with trees and lawns; the 6th Duke’s (1826-58) partnership with Kew-trained gardener Joseph Paxton, who is credited with having the single greatest influence on the garden, bolstered by an era of plentiful plant-hunting expeditions; through to the additions made by Peregrine Cavendish’s late parents, the 11th Duke Andrew Cavendish and the ever-stylish Duchess of Devonshire, Deborah “Debo” Mitford. Cavendish and Mitford were both keen horticulturalists, playing a vital role in reviving the grounds after World War II, not only in restoring historical features, but also by adding to much of what the current Duke looks after today (with the help of 20 gardeners, two trainees and 25 volunteers).

“If I were reincarnated as a plant I would be something like a scots pine”

The Duke enjoys seeing the garden transformed each year by Sotheby’s annual Beyond Limits exhibition, which this September and October celebrates the best of British sculpture, featuring works by artists such as Lynn Chadwick and Barbara Hepworth. But planting is where his mind is at: “If I were reincarnated as [a plant] I would be something like a Scots pine, which would grow quite quickly and last for quite a long time, and look quite gnarled and nice when you get old.” 

Beyond Limits: The Landscape of British Sculpture 1950-2015 runs at Chatsworth House from September 14 – October 25, 2015. 

Lee C. Wallick is a journalist and editor based in Somerset.

Pédophilie dans l'Église - Lyon : deux témoignages

EN CAS DE PUBLICITÉ AVANT LES VIDÉOS, COUPER LE SON

(première vidéo) « Bertrand Virieux, l'une des victimes présumées du prêtre pédophile Bernard Preynat, dénonce le silence de l'Eglise et le fait que ce père ait été laissé en fonction jusqu'en 2015. »

(seconde vidéo) « Pierre-Emmanuel Germain-Thill est l’une des victimes présumées du père Bernard Preynat. Après un long silence, le Lyonnais âgé de 36 ans raconte ce qui le hante depuis l'enfance. »

Le prêtre pédophile Bernard Preynat   Lire : Le Progrès

The Kills, Doing It To Death

Le nouvel album des Kills, Ash & Ice, sortira le 3 juin.

Livre - "William Forsythe The Fact of Matter"

L'exposition William Forsythe The Fact of Matter, en français William Forsythe Le fait de la matière, a débuté le 17 octobre 2015 au Musée d'Art Moderne de Francfort (Museum für Moderne Kunst), et se poursuit jusqu'au 13 mars 2016 (NOTRE ARTICLE). Le livre qui l'accompagne vient juste de paraître fin février. 

Rappelons que William Forsythe est né aux Etats-Unis en 1949. Il a aujourd'hui 66 ans. Il s'installe en Allemagne en 1973, engagé comme danseur au Ballet de Stuttgart que dirige John Cranko, puis signe sa première chorégraphie en 1976 avec Urlicht [Primordial, en maori]. Il dirige le Ballet de Francfort (ou Frankfurt Ballet) de 1984 à 2004, puis The Forsythe Company de 2005 à fin juin 2015. 

City of Abstracts (2000), Photo Dominik Mentzos

L'exposition est consacrée à ce que le chorégraphe William Forsythe nomme ses Objets Chorégraphiques, c'est-à-dire ses travaux de plasticien en lien avec le mouvement.

Il souhaite aussi entrer en dialogue avec des œuvres du musée, comme Gray Corner Piece (1968) de Fred Sandback, One Candle (1988) de Nam June Paik, Hand Catching Lead (1968) de Richard Serra, Twilight Arch (1991) de James Turrell, Date Paintings (1966‒2000) de On Kawara, Problem I, II, III (1966) de Cy Twombly’s, Wildroot (1959) de John Chamberlain, Perfect Balance (1989) de Bruce Nauman, Event, Stream, Object (2010) de Florian Hecker, Aire (2003) de Teresa Margolles ou High Energy Bar  and Certificate (1966) de Walter De Maria.  

Les installations de William Forsythe sont assez anciennes, puisqu'elles débutent en 1989, avec une commande de l'architecte mondialement connu Daniel Libeskind à Groningen (Pays-Bas). Cela donne The Books of Groningen. Mais elles n'ont pas eu jusqu'à aujourd'hui la visibilité des recherches en danse où le chorégraphe mène une véritable révolution. 

 Nowhere and Everywhere at the Same Time, N°3 (2015), Photo Dominik Mentzos

Le travail plastique va se poursuivre avec White Bouncy Castle (1997, en collaboration avec Dana Caspersen and Joel Ryan), City of Abstracts (2000), Scattered Crowd (2002), air drawing, whenever on on on nohow on (2004, en collaboration avec Peter Welz), Scattered Crowd (2002), You made me a monster (2005), Human Writes (2005, en collaboration avec Kendall Thomas, NOTRE ARTICLE), Additive Inverse (2007), The Defenders Part 1 [Les défenseurs Part. 1] (2007), The Defenders Part 2 (2008), The Defenders Part 3 (2009), The Fact of Matter (2009), Towards the Diagnostic Gaze (2013), Birds, Bonn 1964 (2014, NOTRE ARTICLE), Instructions (2015), Black Flags (2015, NOTRE ARTICLE), Abstand [Distance] (2015), Aufwand [Effort] (2015), Nowhere and Everywhere at the Same Time, N°3 (2015), A Volume, within which it is not Possible for Certain Classes of Action to Arise (2015). Les titres en rouge associent activement le public. Les titres en bleu mobilisent des danseurs de la Forsythe Company. 

A Volume, within which it is not Possible for Certain Classes of Action to Arise

(2015), Fabien Rivière ©

William Forsythe est libéré des contraintes de la direction d'une compagnie. Il développe une réflexion sur une définition élargie du "chorégraphique" qui n'est pas limité à la danse mais peut concerner les objets. Pour le visiteur de l'exposition, il s'agit de faire émerger ses compétences physiques inconscientes. L'ouvrage marque ainsi l'ouverture d'une nouvelle époque.

Fabien Rivière

www.williamforsythe.de

         William Forsythe. The Fact of Matter         
Publication : February 2016
22 x 29 cm, 92 Pages, 87 colored and 15 b/w illustrations
Hardcover, bound. Languages: German, English
ISBN 978-3-7356-0199-5
Editor Susanne Gaensheimer, Mario Kramer
Photos Dominik Mentzos
Text by Susanne Gaensheimer, Mario Kramer. 
Contient une conversation entre William Forsythe et Mario Kramer
Prix : 34 €
Publié par Kerber Art SITE et MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main
— Exhibition: „William Forsythe – The Fact of Matter”, 10/17/2015 – 03/13/2016, MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main

Frank Willens (USA - Berlin), performer

Carlo Gesualdo (1566-1613), "O vos omnes, qui transitis per viam à 5"

Live performance by Cantores Musicæ Antiquæ, Jeffery Kite-Powell, director, on December 10, 1995, St. Thomas More Co-Cathedral, Florida, United States.

Où va le Ballet de l’Opéra de Lyon ?

Photo Fabien Rivière ©

Le Ballet de l’Opéra de Lyon (BOL) a présenté du 9 au 13 février au Toboggan de Décines, en banlieue de Lyon, le programme Révolution(s) qui comportait deux pièces de 2014, Sunshine d’Emanuel Gat (Israël - France) et Tout autour de Rachid Ouramdane (France) ainsi qu’une création de Tânia Carvalho (Portugal), Xylographie. Pourquoi Révolution(s) ? Mystère. Le dossier de presse ne donne aucune explication à ce titre. 

Du 20 au 27 février, le BOL se produisait au Théâtre de la Ville à Paris dans un programme proche.

Pièce pour 18 danseurs, le Xylographie de Tânia Carvalho est composée pour l’essentiel de poses qu’adopte le groupe. Il n’y a pas d’écriture chorégraphique ou de travail corporel chorégraphique. On peut sans doute parler de mime. On reste sur sa faim.

Sunshine d’Emanuel Gat relève de la danse, mais doit tout à William Forsythe. Façon de parler, car il en garde surtout une certaine façon de bouger dans l’espace, mais pas la pensée qui a permis d’arriver à cette corporéité si spécifique. Ce n’est pas un « hommage ». On re-produit. De plus le tout est déstructuré au-delà du raisonnable. 

Black Box de Lucy Guerin (Australie), contient, comme son titre l’indique, un grand caisson noir cubique, très lumineux à l'intérieur, ouvert d'un côté, l'ouverture étant orientée vers le sol, qui monte et descend. Quant il est au sol, le noir du plateau est quasi absolu. L’ensemble de la scène est vide et noir. À chaque déplacement du caisson, son nombre de danseurs, dans le caisson. Tout le monde est habillé de la même façon, plutôt dans un trip militaire, tissus de couleurs proches des blancs et des verts. La gestuelle est martiale. Et si Lucy Guerin interrogeait son rapport à l'ordre ? Bref, rien d’inoubliable.

Revoir One Flat Thing, Reproduced, de William Forsythe, est a priori une bonne chose. Sauf pour ceux qui, comme moi, ont vu la pièce à sa création en 2000 avec ses interprètes d’origine, ceux du Ballet de Francfort. On peut s’étonner que le patron du Ballet de l’Opéra de Lyon ait demandé une nouvelle version pour sa compagnie, et que cela ne soit pas explicitement indiqué dans le programme. En musique, on distingue les différentes versions, de l’original à toutes les autres. On parle souvent de remix. La version du BOL est-elle un remix ? D’autre part, les interprètes sont très loins des états de corps des danseurs de Forsythe. C’est la différence entre du 1.000 Volts et du 220. Le programme de salle parle de « virtuosité éclectique » pour désigner le BOL. Mais la virtuosité consiste à interpréter correctement une œuvre.      

On note un certain laissez-aller depuis quelque temps (1) : ainsi, en septembre 2014, au Théâtre du Châtelet, le BOL reprenait Limb’s Theorem de William Forsythe (site), un ballet en trois parties. Nous avions déjà vu la pièce, au même endroit, avec le Ballet de Francfort. Le ratage était terrible. Sans doute (humour) le décor était-il le même, comme les lumières et la musique, de Thom Willems; et sur le plateau « ça bougeait ». De quoi sans doute contenter un public qui découvrait l’œuvre. Mais c’était dansé de façon tellement approximative, que cela en était hallucinant. Alors qu’il faut 8 semaines de travail pour remonter cette création de 1990, les interprètes n’avaient bénéficié que de 5 semaines. Le miracle (réussir malgré tout) n’avait pas eu lieu. On peut se demander si tout le monde ne se moque pas de cette question. Pour avoir une idée de l’état de la réflexion dans une partie du milieu de la danse, on citera une anecdote : faisant part de notre perplexité à un ancien administrateur d’une chorégraphe contemporaine connue et exigeante, ce dernier nous affirmait que mettre un bras ici plutôt que là (dans une certaine distance entre "ici" et "là") était un « détail » (sic). Vu ainsi, pourquoi consacrer 8 semaines plutôt que 5 ? Faut-il alors parler d’une "logique" d’administrateur ? On peut imaginer en musique ce qu’une telle "analyse" peut donner : jouer approximativement les notes. Et, en théâtre, apprendre à peu près son texte. En peinture, même les faussaires tiennent à être le plus près de l'œuvre. 

Fabien Rivière

(1) D'autres éléments dans notre article Jan Fabre nommé directeur du festival d'Athènes       

Ballet de l'Opéra de  Lyon, Théâtre de la Ville (Paris), Du 20 au 27 février. Site

Nadj quitte le Centre chorégraphique d'Orléans + Appel à candidature

Josef Nadj, Photo Géraldine Aresteanu 

Josef Nadj quittera la direction du Centre Chorégraphique National d’Orléans fin décembre 2016. Créé en 1995, le Centre chorégraphique n'aura connu en vingt ans qu'un seul directeur. Cette nouvelle était annoncée en mai 2015. Le quotidien La République du Centre écrivait : « Il y a quelques mois déjà, l'artiste faisait part de son sentiment « de vivre la fin d'un gros cycle » et de son désir d'en « entamer un nouveau ». Où ? Pour l'instant, rien de bien défini. « J'aimerais retourner sur Paris, dans un lieu plus modeste qu'à Orléans. Je ne veux plus de grosses institutions. Je redeviens indépendant », confie-t-il. »

Fabien Rivière

           Appel à candidature        

Le Centre Chorégraphique National d’Orléans

recrute sa directrice ou son directeur 

La direction sera confiée à un/e artiste jouissant d’une reconnaissance nationale et internationale dans le domaine chorégraphique et manifestant une ouverture aux autres champs artistiques. 

Le CCN d’Orléans appartient au réseau des 19 établissements qui constituent en France le socle de l’activité de création, de production et de diffusion d’œuvres chorégraphiques et qui sont régis par la circulaire de 2010, révisée en 2013 et le Cahier des charges des CCN. 

Le CCNO a son siège social à Orléans, commune du Centre Val de Loire. La ville compte près de 115 000 habitants et appartient à l’agglomération Orléans Val de Loire regroupant 22 communes pour un total d’environ 280 000 habitants et à l’aire urbaine d’Orléans comprenant 90 communes pour un total d’environ 417 000 habitants. Orléans est classée « Ville d’art et d’histoire ». 

L’histoire du CCN d’Orléans est articulée avec celle du Théâtre d’Orléans. Aujourd’hui le Théâtre d’Orléans regroupe 4 structures dans le cadre d’une convention cadre pluripartite : la Scène Nationale, le Centre Dramatique National, le CADO théâtre et le CCNO. 

Après 20 ans d’histoire, sous l’impulsion de son directeur, le CCNO s’articule aujourd’hui à travers trois axes majeurs : 

• Une démarche artistique pluridisciplinaire déployée autour de la danse et la pratique chorégraphique croisant d’autres champs artistiques.
• Un projet d’envergure internationale à la fois pour la production, la création et la diffusion de l’artiste directeur, et dans le choix des artistes invités au CCNO.
• Un ancrage territorial significatif à travers le soutien à l’implantation de compagnies régionales, le développement de la culture chorégraphique et les collaborations avec les partenaires culturels de la ville et en région.

Il convient aujourd’hui à la fois de faire évoluer le projet artistique du CCNO et de s’inscrire dans une dynamique collaborative et complémentaire avec les structures qui composent le Théâtre d’Orléans. 

Au 1er janvier 2017, l’Etat et les collectivités territoriales recruteront un/e directeur/directrice de CCN et un/e directeur/directrice de CDN. Ces nominations conjointes sont propices à la mise en place de deux projets à la fois distincts et complémentaires, en écho à l’aspect pluridisciplinaire des projets artistiques d’aujourd’hui. Le cas échéant les candidatures concertées entre le/la directeur/directrice du CCN et le/la directeur/directrice du CDN seront étudiées avec grand intérêt. 

Le CCNO dispose de locaux dédiés à son activité permanente, avec 1 grand studio équipé d’un gradin modulable, 3 studios de répétitions, 1 espace dédié aux expositions, installations et performances, 1 atelier de construction, 1 costumerie, 1 espace de stockage, 2 loges et 6 bureaux.
 

Le CCNO est subventionné par l’État (DRAC Centre Val de Loire), la Région Val de Loire, la Ville d’Orléans, le Département du Loiret et reçoit ponctuellement le soutien d’autres partenaires publics. L’ensemble des financements publics atteignait 1 087 230€ TTC, en 2015 sur un budget total d’environ 1 349 917€. 

Outre la direction, l’équipe du CCNO compte 10 emplois permanents. 

MISSIONS 

Le CCN d’Orléans assume une mission principale de création et de production de spectacles chorégraphiques. En cohérence avec son projet artistique, le/la directeur/trice aura pour mission, outre le développement de son propre travail de création, de : 

• Travailler à la diffusion locale, nationale et internationale de ses productions.
• Constituer une ressource pour la scène nationale, dès la saison 2017/2018, pour construire une programmation danse ouverte à l’ensemble des esthétiques.
• S’inscrire dans une dynamique territoriale, développer l’offre de danse et favoriser la rencontre des publics avec la création chorégraphique, en initiant des propositions qui pourraient fédérer les structures culturelles à l’échelle de la Région Centre Val de Loire notamment dans un dialogue constructif avec le CCN de Tours.
• Renforcer le partage de l’outil avec les compagnies chorégraphiques, en portant une attention particulière aux équipes issues du territoire régional, mais plus largement en accueillant et en accompagnant des artistes chorégraphiques d’envergure nationale ou internationale, à travers l’accueil studio. 
• Poursuivre la politique de transmission de la culture chorégraphique qui est un des axes forts des missions des CCN, notamment en direction des jeunes et des amateurs, en nouant des partenariats avec les acteurs culturels, scolaires, universitaires et avec le secteur associatif. 
• Affirmer le rôle de lieu de référence, garant d’une pluralité d’esthétiques, à la fois ouvert à la recherche et lieu de valorisation de la danse.
• Manifester une ouverture aux autres champs artistiques.

MODALITES PRATIQUES 

Les candidat/e/s sont invité/e/s à envoyer leur dossier au plus tard pour le 4 mars 2016. 

Ce dossier comprendra : 

• une lettre de motivation indiquant les axes majeurs du projet artistique envisagé (2 à 3 pages)
• un curriculum vitae détaillé accompagné de tous les documents d’information sur les réalisations antérieures (descriptif et argument des créations, articles de presse, enregistrements vidéo, calendrier de tournées).

Les candidat/e/s peuvent transmettre leur candidature par voie postale et / ou par voie électronique. 

Dans un premier temps, une commission de recrutement sélectionnera une liste réduite de candidat/e/s. Ceux/celles-ci se verront remettre les documents leur permettant de présenter 

un projet artistique détaillé et une projection budgétaire de sa mise en œuvre complète sur la période concernée. Les projets et projections budgétaires devront parvenir avant le 20 mai 2016. 

Dans un second temps les candidat/e/s pré-sélectionné/e/s seront reçu/e/s par le jury le 9 juin 2016. La prise de fonction interviendra au 1er janvier 2017 dans le cadre d’un premier mandat de 4 ans. 

Les candidatures sont à adresser par courrier à : 

Monsieur le Président du Centre Chorégraphique National d’Orléans 

37 rue du Bourdon Blanc, CS 42348, 45023 Orléans cedex 1 ’ 

et / ou par mail à president@ccn-orleans.com