Danse - Jan Martens célèbre les voix des femmes

Voice Noise, de Jan Martens, Photo Phile Deprez 

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Avec sa nouvelle création Voice Noise, en français Le bruit de la voix, le Belge d'Anvers Jan Martens souhaite donner une plus forte visibilité et crédit aux femmes compositrices et vocalistes novatrices. 

Il s'appuie sur les analyses de la canadienne Anne Carson dans son texte The Gender of Sound, en français Le genre du son, publié en 1995 dans son ouvrage Glass, Irony and God, traduit en français en 2004 par Verre, Ironie et Dieu aux éditions Corti (re-publié en 2023).

Les treize morceaux mobilisés constituent un panorama impressionnant, tant géographique, qu'historique, qui se déploie en Europe (Royaume-Uni, Italie, Norvège et Finlande), en Amérique du Nord (Etats-Unis, côtes est et ouest, et Canada) et en Inde, sur pratiquement un siècle, de 1935 à 2023. Il nous a semblé important de donner un visage et une nationalité à chaque créatrice (cf. ci-dessous).  

Cette diversité est l'exacte inverse du Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione d'Anne Teresa De Keersmaeker et Radouan Mriziga, vu dans la même salle en septembre dernier, qui se proposait officiellement « d’explorer » Les Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi, de façon très prudente. Au contraire, avec son Amour, acide et noix le Canadien Daniel Léveillé, sur la même musique, par le travail des corps, réussissait à redonner à Vivaldi une vitalité surprenante et laissait penser qu'il avait composé pour lui.  

  

En ouverture, chaque interprète va prendre la parole pour dire ceci : 

« I'm no one's little girl, oh no, 

I'm not I'm not gonna be - cause I don't wanna be

 I never shall be on your family tree - 

Even if you ask me to 

I'm gonna turn you down 

I won't mess you around »

Soit, en français : 

« Je ne suis la petite fille de personne, oh non,

Je ne suis pas, je ne serai pas - parce que je ne veux pas être

 Je ne serai jamais sur ton arbre généalogique

Même si tu me le demandes

Je vais te repousser

Je ne te ferai pas te faire tourner en bourrique »

Les prises de parole en anglais auraient dû être soit prononcées en français soit sous-titrées — Pina Bausch a toujours donné ses pièces en français dans ce théâtre — et pourquoi pas, de la même façon, pour la musique, afin de mieux comprendre certains enjeux, ainsi avec le morceau « Bella ciao sul femminicidio » qu'on ne comprend qu'après ?   

La scène suggère un vieil entrepôt, vaste et vide, plongé dans une relative obscurité, empli de brume, aux murs à la peinture singulièrement endommagée. Beaucoup d'actions se déroulent la nuit, métaphore de cette longue pénombre subie des femmes ? Dans un travail de lumières remarquable au demeurant, signé Jan Fedinger. La scénographie, épurée, est de Joris van Dosterwijk, avec son grand et massif plateau carré noir posé sur le sol au centre de l'espace et sur lequel se déroule la plus grande partie de la danse, et ces enceintes noires qui montent et descendent lentement. 

L'exigence musicale est exceptionnelle, entre possession et méditation. La chorégraphie, qui articule grande rigueur et fort relâchement, sait éviter l'illustration, servie par six excellents interprètes, quatre femmes, Courtney May Robertson, Loeka Willems, Sue-Yeon Youn et Elisha Mercelina, et deux hommes, Steven Michel et Mamadou Wagué. L'enjeu semble être de créer des mondes, des mondes nouveaux. 

Fabien Rivière

Voice Noise, de Jan Martens, Théâtre de la Ville (Paris), du 19 au 23 novembre. En savoir +     

— La bande-son, à écouter sur Spotify : ICI  

— NOUS AVONS DÉJÀ PUBLIÉ, concernant JAN MARTENS :

L'adolescence sidérante de Jan Martens (« Passing the Bechdel Test »)

Jan Martens à la rencontre de la claveciniste Elisabeth Chojnacka (« Elisabeth Gets Her Way »)

Jan Martens, comme un ouragan ? (« FUTUR PROCHE », Festival d'Avignon - In) 

BANDE-SON de VOICE NOISE ordre chronologique

Cheri Knight (ville : Olympia, état : Washington [côte ouest]) 1984 

— morceau : Prime Numbers, album : American Rituals - juillet 2022 

ALBUM American Rituals (écoute)  > bandcamp   

Erin Gee (Boston, Massachusetts [côte est])  

— morceau : Mouthpiece I [série, numérotée, développée sur 20 ans] — 2000

Maja S. K. Ratkje [Maja Solveig Kjelstrup Ratkje] (Svartskog, Norvège) 

— morceau :  Trio, album Voice — 2002

Compte Bandcamp  >  ICI   

Camille Yarbrough (États-Unis) 

— morceau : Ain't It A Lonely Feeling [N'est-ce pas un sentiment de solitude] - album : The Iron Pot Cooker [La marmite en fer] — 1975

Debby Friday (Nigéria, puis Toronto, Canada) 

— morceau : Safe, [premier] album : Good Luck — mars 2023 

ALBUM Good Luck (écoute)  > bandcamp   

Kesarbai Kerkar (Inde, 1892 - 1977) 

— morceau : Raag Des, Sakhi Mohan, album : Living Music From The Past — 1935 

The Raincoats [Les Imperméables] (Londres, Royaume-Uni) 

— morceau : No One's Little Girl [La petite fille de personne], album : Moving  — 1977 

Compte Bandcamp  >  ICI 

Ruby Elzy (États-Unis, 1908 - 1943, soprano) 

—  morceau : Sometimes I Fell Like a Motherless Child [Parfois, je me suis sentie comme une enfant sans mère], album : Vocal recital — 1940 

Mary Margaret O'Hara (Toronto, Canada) 

— morceau : Not Be Alright, album : Miss America —  juin 1988

ALBUM Miss America (écoute) > ICI 

Cucina Povera (Helsinki, Finlande)   

— morceau : Varisevalehti, album : Tuhka [Cendre] — 2022 

ALBUM Tuhka (écoute) > bandcamp

Coro delle Mondine di Porporana (Italie)  

— morceau : Bella ciao sul femminicidio — 2019 

Facebook > ICI

Tanya Tagaq (Canada)   

— morceau : Surge [Déferler], album : Sinaa — 2006

Compte Bandcamp > ICI 

Marianne Reidarsdatter Eriksen (Norvège) - Trio Mediæval

— morceau : Sol Lucet, album : An Old Hall Ladymass — 2023

Compte Soundcloud > ICI  

Saïdo Lehlouh, un "Je" sans "Nous" ? (« Témoin »)

Saluts à l'issue de la première à Paris de Témoin, de Saïdo Lehlouh, Photo Fabien Rivière

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La scène est vide et suggère un terrain vague qui va demeurer constamment plongé dans une nuit profonde, éclairée à minima et brutalement. En ouverture, à droite, un homme seul danse, devant, à gauche, un groupe de 19 personnes debout face à lui, qui l'observent, immobiles. Pendant la première moitié de la pièce d'un peu moins d'une heure, 58 minutes pour être précis, un individu va se détacher successivement du groupe ou plutôt de la foule, et se mouvoir devant les autres, qui regardent sans intervenir, dans différents points de l'espace. Dans la seconde partie, on pourra observer des sous-ensembles où les individus dansent dans des regroupements provisoires. La distribution est métissée, ce qui est banal en danse hip-hop, et n'arrive jamais en danse contemporaine. Mais justement, s'agit-il de danse hip-hop ou de danse contemporaine ? Ou les deux ? 

Nous sommes dans la grande salle historique qui vient de réouvrir après 7 ans de travaux, du Théâtre de la Ville - Paris. Il s'agit de Témoin, la nouvelle création de Saïdo Lehlouh, co-directeur du Collectif Fair-e - Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne. Il est artiste associé au Théâtre de la Ville - Paris et au Cratère, scène nationale d'Alès.

 

Le chorégraphe explique dans la feuille de salle qu'il s'agit d'« une pièce pour et avec une réunion d'artistes autodidactes d'esthétiques diverses, engagés dans des démarches authentiques. » Leurs âges sont précisés : « de 19 à 48 ans (...) ». Il s'intéresse à « leurs façons de penser, leurs esthétiques et le vocabulaire personnel de leurs danses, à savoir break, top-rock, waacking, voguing, hip hop freestyle, krump, électro ou autres. »    

La feuille de salle ne permet pas cependant de nommer les uns et les autres. Comment s'appellent ce jeune homme et cette jeune femme par exemple ? Une photo, un nom et un prénom et une biographie détaillée pour chacun s'imposent. Et il s'agit plutôt d'extraits de danses, qui ne permet pas de faire vraiment connaissance, même si le tout manifeste une maturation certaine du travail. 

Nommons les interprètes, de façon plus claire :

«    Avec 20 danseur·ses 

Ndoho Ange,

                                              Mehdi Baki, 

Audric Chauvin, 

                                                              Marina de Remedios, 

Jerson Diasonama,

                                                    Johanna Faye, 

Evan Greenaway, 

                                                                     Théodora Guermonprez, 

Linda Hayford, 

                                                                                Karim Khouader aka Karim KH, 

Odile Lacides, 

                                           Timotkn, 

Mattéo Raoelison aka Rao, 

                                                                           Mathieu Rassin aka Thieu, 

Émilie Spencer aka Wounded, 

                                                       Raphaël Stora, 

Clarisse Tognella, 

                                                                             Lorenzo «Sweet» Vayssière

& en alternance

                                                                        Ilyess Benali aka Pocket, 

Sofiane « Double So » El Boukhari, 

                                                        Chris Fargeot, 

Aliashka Hilsum,

                                                                                Timothée Lejolivet aka Timo, 

       Yonas Perou aka Cosmos, 

                                                                                Mulunesh aka Wrestler X    »

La musique industrielle est omniprésente. Assumer un peu de silence parfois aurait été bienvenu.

Première page de la feuille de salle

Le proposition entend affirmer avec force, à juste titre, l'existence, la puissance, la créativité et la légitimité de ces danses hip-hop maintenues à la marge. Mais si c'est un unique chorégraphe qui risque de ramasser la mise, son nom est en énorme sur la première page de la feuille de salle (cf. photo ci-dessus), les noms des interprètes en minuscule à l'intérieur, il n'en demeure pas moins que les forces vives de la créativité en danse hip-hop sont bien les interprètes dans le cadre du studio où ils expérimentent seuls leurs gestes, et des fameux battles, bien plus que du côté des chorégraphes dans les théâtres où ils présentent des spectacles. De ce point de vue, on peut parler de politique ce soir : nous sommes là, et nous sommes à notre place (au centre du pouvoir, peut-on ajouter). 

Mais, à contrario, il n'y aura aucun projet de mobilisation collective de nature politique, en un autre sens. En ces temps de menaces multiples, cela peut étonner. Même les rares duos n'aboutissent pas. On peut toujours affirmer que c'est un constat de l'état de dépolitisation de la société. Mais les gilets jaunes et les manifestations contre la réforme des retraites demeurent dans les esprits, sans même parler des luttes présentes des agriculteurs. Travailler à une politisation pourrait être un but. Mais, remarquerait le sociologue français Pierre Bourdieu, il l'a fait dans le documentaire de Pierre Carles La sociologie est un sport de combat (ICI, bande-annonce), il faudrait se mettre à la tâche, travailler, mobiliser les savoirs constitués par les sciences sociales et humaines. Mais les milieux culturels les considèrent au mieux avec condescendance, au pire avec mépris. À la fin de la représentation, le public applaudit. Tout va bien. 

La logique du projet implique une suite. À l'équipe de la réfléchir. Mais d'ores et déjà il serait souhaitable de reconnaître enfin la valeur artistique du battle en en programmant un chaque année dans les salles de spectacles traditionnelles. Et pourquoi pas réaliser un livre, donnant la place nécessaire à la parole des quarante artistes, puisqu'il y a deux distributions, à travers par exemple autant d'interviews. 

Fabien Rivière 

Saïdo Lehlouh, Témoin, Théâtre de la Ville (Paris), du 24 au 27 février 2024. En savoir +  

Paris - Danse contemporaine et violences policières

Présence et prise de parole des interprètes de Exit Above - d'après la tempête 
d' Anne Teresa De Keermaeker - Rosas dans le hall du Théâtre de la Ville -
Sarah Bernhardt le 28/10/2023, ici de dos, Photo Fabien Rivière

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Ce samedi 28 octobre 2023 à 20 heures la 4° représentation de Exit Above - d'après la tempête, la dernière création d'Anne Teresa De Keersmaeker doit se jouer dans la grande salle du Théâtre de la Ville - Sarah Bernhardt (qui peut accueillir 932 personnes), à Paris. Mais l'information commence à circuler : la représentation est annulée, une danseuse est malade. Les techniciens installent un pied de micro noir au milieu du vaste hall, le son est testé, des ouvreurs et ouvreuses demandent au public de se pousser pour dégager un espace vide autour. Les interprètes se faufilent et se positionnent debout derrière le pied de micro, sur deux rangs. 

Une jeune femme noire menue prend la parole en anglais, traduite en français au fur et à mesure. Il s'agit de Meskerem Mees, performeuse et (excellente) chanteuse dans cette production. Elle explique, tranquillement, qu'elle ne peut pas danser ce soir. Elle se rendait au théâtre quand elle a été prise dans une manifestation (interdite) pro-Gaza (il se trouve que la manifestation s'est tenue un temps place du Châtelet, devant le Théâtre de la Ville, cf. le compte rendu de Libération ICI). Elle demande à en sortir. Un policier refuse, et lui indique une direction où aller, puis on lui ordonne de ne plus bouger (c'est une technique policière de contrôle des corps nommée la nasse). Elle est alors témoin d'une scène où deux jeunes femmes jugées trop proches des policiers reçoivent du gaz lacrymogène. La jambe de la danseuse est touchée mais la bombe n'explose pas. Elle décrit un chaos. Une personne en vélo qui se voit refuser le passage par la police proteste sur le mode « Ce n'est pas cela la France ! » Elle réussit finalement à s'extraire de la manifestation. Choquée, une fois au théâtre, elle fond en larmes. Elle est effondrée. Elle explique qu'elle parle en son nom propre et pas au nom de la compagnie. La compagnie, en l'espèce les danseu-r-se-s décident d'annuler la représentation. Fin de l'intervention. Applaudissements. Le public se disperse. L'administrateur du théâtre a expliqué par ailleurs que les billets seront remboursés. 

Peut-on noter que Exit Above - d'après la tempête se retrouve confrontée au réel (le psychanalyste Jacques Lacan déclarait : « Le réel, c’est quand on se cogne »), que les interprètes acceptent - souhaitent - tentent de penser, d'en tirer les conséquences, et pourquoi pas d'agir aussi, tant qu'à faire ? Sans même parler des violences policières impunies sinon couvertes. 

Fabien Rivière

PS. La compagnie d'Anne Teresa De Keersmaeker, Rosas, est basée à Bruxelles (Belgique). 

Le Théâtre de la Ville de Paris va réouvrir en septembre 2023 après 7 ans de travaux

Le Théâtre de la Ville quittera l'Espace Cardin
à partir de mai 2023, Photo Fabien Rivière

L'information a été lâchée sans prévenir à 16h30 ce samedi par son directeur lors de la présentation de la saison 2022-2023 : la salle historique de 1.000 places du Théâtre de la Ville à Paris, située place du Châtelet, va réouvrir après 7 ans de travaux, en septembre 2023. Évoquant cette 7° saison 22-23 hors les murs, d'une programmation en bonne partie dans d'autres théâtres, il salue ce public qui a accepté de voyager de salles en salles. Il explique, guilleret, qu'« on est devenu des spécialistes de la diplomatie », et lâche finalement « que je suis très à l'aise pour vous annoncer que le Théâtre de la Ville ouvrira (silence, mouvements de la tête, sourire) ... (comme à une vente aux enchères) 2030, 2037 ... certains d'entre vous seront plus là ... en voyage, je veux dire, en voyage ... donc en septembre 2023 ... soit, je vous annonce la dernière saison hors les murs du Théâtre de la Ville ce soir, voilà » (applaudissements). Ainsi, la saison 22-23 à l'Espace Cardin s'arrêtera en mai 23 « car il va falloir déménager une centaine de personnes, je vais pas vous raconter tout le truc, aller dans des bureaux qui marcheront pas toujours, parce que, vous savez comment c'est, un théâtre refait, au bout de sept ans, y'a forcément un truc qui marche pas ; donc on se prépare à tout çà, et on vous retrouvera là-bas ». 

Fabien Rivière

Vidéo : présentation de la saison 22-23 > ICI 

Marie Chouinard se lâche (« Radicale vitalité »)

Saluts à l'issue de Radicale vitalité à l'Espace Cardin, Photo Fabien Rivière

Le Théâtre de la Ville de Paris présente les œuvres de la chorégraphe québécoise Marie Chouinard, 66 ans, depuis exactement 20 ans. L'histoire a commencé en 2002 avec Le cri du monde et Les 24 préludes de chopin. Aujourd'hui, jusqu'au 12 mai, on découvre Radicale vitalité, qui permet de se pencher sur presque quarante ans de créations, qui débutent en 1980 ici, en 1978 dans la vie, une « suite de petites séquences, menées tambour battant » comme l'explique la feuille de salle. On appelle cela aussi best of, synthèse, remix, abrégé, condensé ou, mieux, compendium ? Très bonne session de rattrapage pour celles et ceux qui auraient louper le début, tout, ou un certain nombre d'épisodes. 

Dix-huit parties, le plus souvent un solo ou un duo, à deux exceptions, pour une durée minimum de 37 secondes, au plus 13 minutes 22 secondes. On peut dire que la chorégraphe ne recherche pas le bon goût, elle le fait même clairement valdinguer même si c'est visuellement très bien léché. Pour un corps brut de décoffrage qui l'obsède : « Depuis les débuts, je m'intéresse au corps et au souffle. Je suis fascinée par le corps vivant et éphémère avec ses organes, sa salive, son mélange de quelque chose d'organique et d'architectural, ce corps qui, possédé d'un émoi insoupçonné, trouve tout à coup une nouvelle forme, inhabituelle mais si exacte. » (extrait de la feuille de salle) 

Radicale vitalité, capture d'écran Espaces Magnétiques

Un corps le plus souvent traversé de soubresauts, et qui ne semble pas aller bien. On peut se demander d'ailleurs quelle relation entretient le corps et l'esprit. Quelle est l'autonomie du premier vis-à-vis du second ? Corps tordu pulsionnel indépendant de l'esprit, ou corps perturbé car l'esprit est tourmenté ? Pure imagination, auto-portrait de la chorégraphe, voire même observation de l'état du monde ? On ne résiste pas au plaisir de citer la remarque d'une pourtant jeune spectatrice, qui a sa solution ("pure imagination"), donnée sur un ton un peu dégouté : « Je ne suis pas là pour voir des êtres humains ». Quoiqu'il en soit, et quelle que soit la réponse, les 11 interprètes sont forts bons, qui défendent avec talent ce monde secoué.

Fabien Rivière 

Radicale vitalité, de Marie Chouinard, Théâtre de la Ville à l'Espace Cardin, Paris (8°), du mercredi 4 au jeudi 12 mai 2022. En savoir +  

Danse élargie 21 : une très bonne édition

LE choc de Danse élargie 21 : Untamed Donkeys [Les ânes indomptés]
de Sudesh Adhana (Inde), Photo Fabien Rivière 

Depuis 2010 a lieu tous les deux ans le concours Danse élargie, un week-end de juin au Théâtre de la Ville à Paris. L'édition 2020 n'ayant pu se dérouler à cause du Covid-19 a été remplacée par quatre soirées distinctes en septembre 2021. Quel bilan en tirer (sur le projet, et la 1ère soirée lire ICI, la 2° ICI, la 3° ICI, la 4° proposait deux solos qui se voulaient comiques, sans convaincre*) ?

En 2021, Les bonnes surprises ne proviennent pas de la danse contemporaine traditionnelle : LE choc Sudesh Adhana est né en Inde et vit à Oslo au Danemark, Laura "Nala" Defretin & Brandon "Miel" Masele mélangent hip-hop et électro, Marius Hoël aka Akeron est un jeune slameur, Smaïl Kanouté vient du hip-hop, et Dalila Belaza a rencontré le collectif de danse folklorique Lous Castelous de Senergues, un village de l'Aveyron. Le tout est absolument passionnant. 

Fabien Rivière

* Yaïr Bareli avec Dolgberg et Sylvain Riéjou avec Je rentre dans le droit chemin (qui comme tu le sais n'existe pas et qui par ailleurs n'est pas droit)

L'équipe de Untamed Donkeys [Les ânes indomptés] de Sudesh Adhana, Facebook Sudesh Adhana  

Danse élargie 21 : de belles découvertes lors de la première soirée

Couverture du programme de Danse élargie 21

Danse élargie est un concours fondé en 2010 par le danseur et chorégraphe Boris Charmatz qui dirige alors le Centre chorégraphe national de Rennes, renommé Musée de la danse, et Emmanuel Demarcy-Mota, le directeur du Théâtre de la Ville à Paris.

Il vise à faire émerger une nouvelle génération de chorégraphes. Il se veut ouvert à « des artistes de toutes les générations et de toutes disciplines. » Tous les deux ans, il présente lors d'un week-end de juin une vingtaine de créations. Le premier jour 20 pièces de dix minutes sont proposées, le second jour dix finalistes demeurent. Le nombre minimum d'interprètes est fixé à trois. Un jury est composé d'artistes, un autre jury de membres du public. Il est gratuit. 

L'édition 2020 n'a pu avoir lieu à cause des restrictions liées au Covid-19. Elle est remplacée par quatre soirées distinctes (payantes, et pas de concours) en septembre 2021. Ainsi, la « soirée Formats courts » ouvre le bal avec sept propositions. Voici donc la 6° édition et les 10 ans de la manifestation. 

Mathilde Rance  Karnaval  

Le public suit les interprètes, et gravit la rue en face du théâtre
jusqu'à la place ombragée Emile-Goudeau

 Place Emile-Goudeau

Ambiance légère, voire festive avec le Karnaval de Mathilde Rance. Sortis par l'entrée du Théâtre des Abbesses, les huit interprètes investissent la cour du théâtre puis gravissent la rue en face, pour atteindre une place, et redescendent. Costumes métalliques, et masques d'animaux. Les enfants adorent, un serveur d'un restaurant voisin sort son portable pour filmer. Cependant, les corps sont un peu raides me semble-t-il.  

(durée : un peu plus de 15 minutes)

Rémi Esterle  Beauté Bâtarde 

Marius Hoël aka Akeron dans Beauté bâtarde, Photo Sonia Blin

Dans Beauté bâtarde, de Rémi Esterle, le jeune mais mature Marius Hoël aka Akeron est saisissant. Cheveux noirs et courts, petite moustache, en jean et sweat-shirt rouge sombre intense. Debout face au public, appuis solides au sol et haut du corps mobile et fluide, il slame puissamment un désarroi, une désorientation, mais une force de vie d'abord. Il possède l'intensité des Bérurier Noir, ce groupe phare de la scène punk et alternative française des années 1980. Un slam qui peut faire ricaner certains (je songe à un avis recueilli après la pièce). Cet art engagé est moqué sinon méprisé par tous ces spectateurs dégagés. Sur le plateau, il y a aussi un couple qui valse, habillé de façon improbable intégralement en jean, comme le petit chaperon rouge, mais en bleu, plutôt effacé. Dans le travail de répétition de la pièce, le jeune homme est censé être « la parole » (simplement cela), le couple « la danse », mais il se trouve qu'en réalité il est la danse, un corps chargé, vivant, quand le couple peut être perçu comme une métaphore d'une certaine danse transparente. La fin est terrible puisque la danseuse pose sa main sur l'épaule du jeune homme comme pour lui intimer l'ordre, dans une position de surplomb, de cesser de bouger et donc d'être, ce qu'il fait. Mais que cette fausse danse ne supporte pas l'autre dans sa différence est tragique, et réaliste.

(durée : 17 minutes)

Julien Grosvalet  Flashlights

En ouverture, est proposé un très beau travail plastique. Chaque interprète a une petite lampe qu'il allume ou ferme, dans la nuit. C'est très efficace. Mais quand la lumière revient, la danse n'est pas vraiment chargée.

(durée : 9 minutes)

Nicolas Barry  Pas de danse 

Saluts, à l'issue de Pas de danse, de Nicolas Barry (à l'extrême-droite)

Debout face au public, Nicolas Barry nous explique qu'il a lu Surveiller et punir, le fameux ouvrage de Michel Foucault paru en 1975, qui examine l'émergence historique de la prison et son organisation. Il dit s'intéresser en réalité à l'architecture des années 70 et à l'urbanisme des villes nouvelles. Il a effectué « des excursions », selon son expression, dans des centres commerciaux, des sorties de métro, et des halls de grandes gares, observant les corps et les visages, leurs tensions. 

Enfin, il souhaite mettre en pratique la page 153 du livre, qui décrit des pas militaires, jadis. Le résultat, dansé par quatre interprètes, se veut drôle et amusant, mais se révèle anecdotique. La logique du projet échappe absolument. 

Plus tard dans la soirée, interrogé pour savoir selon quelle logique on passe de Foucault à l'humour, le chorégraphe, gêné, ne peut répondre, et mettra fin abruptement à la conversation. 

(durée : 9 minutes)

Sudesh Adhana  Untamed Donkeys [Les ânes indomptés] 

Projection du film Untamed Donkeys de Sudesh Adhana

Sudesh Adhana est né en Inde, mais vit à Oslo en Norvège. C'est LE choc de la soirée, à l'effet de sidération absolu. Un écran de projection de la taille de l'ouverture de scène descend des cintres. Un film est projeté. Un plan fixe, — images magnifiques et bouleversantes, — montre un extrait d'une performance dans une rue de Delhi (Inde), devant un public debout. Tous les interprètes portent un masque d'escrime sombre. Des actions simples et répétées. Pour le reste les mots manquent, et on se dit que ce film met à mal, pousse à sa limite extrême un cerveau occidental, qui peut disjoncter face à de telles secousses mentales, sans que l'on puisse expliquer pourquoi, et avec une économie de moyen redoutable. Le budget et les moyens ne sont en effet pas ceux d'un film hollywodien. 

(durée : 13 minutes) 

Laura "Nala" Defretin & Brandon "Miel" Masele  Rave lucid 

Performance (haut) et saluts (bas), Rave lucid
de Laura "Nala" Defretin & Brandon "Miel" Masele  

C'est la troisième excellente surprise de la soirée : Rave lucid, de Laura "Nala" Defretin & Brandon "Miel" Masele (Miel est le surnom du danseur). Quand on découvre les interprètes, c'est un soulagement : il n'y a pas que des Blancs sur le plateau (c'est un Blanc qui écrit ces lignes). C'est extra-ordinaire en danse contemporaine. Car cette danse électro et hip hop  relève bien de la danse contemporaine. La gestuelle est excellente, précise, chargée, juste, qui accepte la tension, ne l'interdit pas, mais la module, l'oriente, la fait circuler et finalement en joue. C'est une danse apaisante et pourquoi pas thérapeutique. Le seul petit danger est le glissement par moments vers une certaine théâtralité sans paroles (et donc de la psychologie) qui dilue un peu le passionnant et exigeant propos.  

(durée : 10 minutes) 

Brandon "Miel" Masele et  Laura "Nala" Defretin,
Capture d'écran Espaces Magnétiques

Trimukhi Platform  Cooking Stone

 Film, Cooking Stone de Trimukhi Platform 

Film projeté dans la cour du théâtre à la sortie de la salle. À vrai dire, il faudrait pouvoir le revoir en entier, pour donner un quelconque avis. On peut simplement dire que les images, tournées en extérieur et en noir et blanc sont très belles. 

On peut désespérer de la forme concours en général, de son utilité et de son niveau. Mais le programme ce soir fut de qualité. Il n'est pas si fréquent de pouvoir profiter de trois excellentes découvertes.  

Fabien Rivière 

— Soirée Formats courts, Danse élargie 21, 10 septembre 2021, Théâtre de la Ville - Théâtre des Abbesses, Paris, France. En savoir +   

— PHOTOS Fabien Rivière, sauf deux exceptions indiquées.

— NOS ARTICLES :

— Sur la 4° édition en 2016 > Danse élargie entre Danse de surface et Danse du monde 

— Suite de 2014 > Concours Danse élargie : que donne la cuvée 2015 ?

— Sur la 3° édition - 2014 > ICI   

— Sur la 1ère édition - 2010 > Le concours Danse élargie en photos 

La vitesse de Fabrice Lambert (« Seconde nature »)

Seconde nature, de Fabrice Lambert, Capture d'écran Espaces Magnétiques 

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Avec Seconde nature, vu hier soir au Théâtre de la Ville - Théâtre des Abbesses à Paris, Fabrice Lambert nous propose une œuvre d'une maturité inquiète mais nécessaire et courageuse. 

Les interprètes se déplacent constamment dans une nuit profonde éclairée artificiellement, et ne verront jamais le jour. L'espace est vide mais saturé d'une musique puissante et stellaire, avec un passage vers la techno à mi-parcours, et rempli jusqu'à la gueule de flashs stroboscopiques redoutables. Ils dansent souvent devant un mur d'images tout aussi artificielles, irréelles et saturées. On perçoit une existence qui se déploie dans un environnement gelé et hostile où le danseur - citoyen a cependant la puissance d'un brise-glace. 

On se demande comment ils font pour tenir. On voudrait s'approcher paisiblement, leur parler tranquillement, leur demander ce qui ne va pas, essayer de comprendre la situation, leur situation. On voudrait arriver à les faire au moins ralentir un peu ce flot, ce flux de folie. On rêve même de les faire stopper, d'arriver à les extraire de cet enfer terrestre. Grande naïveté certes.  

Ils ont la santé, comme l'on dit, et une singulière capacité de résistance. Jamais ils ne flanchent, ne soufflent, ne manifestent une quelconque fatigue ou lassitude. Jusqu'à une surprise finale, de taille. Inévitable finalement. Il n'est pas sûr qu'ils se posent beaucoup de questions. Il n'est pas sûr qu'ils le peuvent, pris sinon emportés par la vie. 

Ils sont quatre. Ils ne cessent de se croiser mais ne se rencontreront jamais. On ne peut pas vraiment appeler cela un collectif. Il n'y aura pas de prise de conscience, de questionnement, de protestation, de contestation de cet ordre terrestre. La contradiction n'est qu'apparente : on peut être ultra passif tout en étant ultra actif. C'est une tragédie sans pathos qui n'est pas sans élégance, vue le jour qui suit l'annonce de l'instauration d'un couvre-feu en France*.

Fabien Rivière

* Applicable de 21h à 6h pour six semaines, voir plus, à partir de samedi, dans neuf métropoles, soit 20 millions de français. 

Seconde nature, Théâtre de la Ville - Théâtre des Abbesses (Paris), du jeudi 15 au dimanche 18 octobre 2020. En savoir +   

Arte célèbre la danse en cette fin d'année

Arte célèbre la danse en cette fin d'année au travers de cinq programmes : 

Graines d'Étoiles... 5 ans après — documentaire  (Notre article)  

Quatre chorégraphes d'aujourd'hui à l'Opéra de Paris : Thierrée / Shechter / Pérez / Pite — spectacle (Notre article)

Marius Petipa, le maître du ballet russe — documentaire (Notre article) 

Raymonda — spectacle [Théâtre Mariinsky, Saint-Pétersbourg (Russie), chorégraphe : Marius Petipa (1898), version revisitée par Konstantin Sergeyev (1948), extraits chorégraphiques Fyodor Lopukhov (1886 - 1973]  — (à voir ICI)

Gala inaugural des 350 ans de l'Opéra national de Paris — spectacle — Lundi 31 décembre 22h25

C'est cohérent. Mais il s'agit en grande partie de l'Opéra de Paris et de danse classique. Faisons un voeu : et si, renouvelant le geste dans un an, Arte s'intéressait à un autre lieu emblématique de la capitale, un autre lieu historique, le Théâtre de la Ville qui fête cette saison ses 50 ans, entre histoire exceptionnelle, — la liste des chorégraphes importants qu'il a soutenu est longue — et présent qui vaut encore le détour avec des chorégraphes qui défendent la danse contemporaine comme Maguy Marin, Israel Galván (notre article), Takao Kawaguchi (notre article), Jan Martens et Christos Papadopoulos. Le Festival d'Automne à Paris, qui partage le même directeur, va célébrer fin 2019 le génie New Yorkais Merce Cunningham mort en 2009, fêtant le centenaire de sa naissance à travers ce qu'il nomme « un temps fort » (ICI). À cette occasion on pourrait notamment présenter de nouveau le film magnifique de Tacida Dean daté de 2009 filmant la compagnie de Cunningham performant dans un magnifique hangar portuaire dans la baie de San Francisco, Craneway Event. Chiche ?

——— Nous écrivions en 2010 au sujet de Craneway Event (Film 16mm anamorphique couleur - son optique, 1h48) : 

  NOTRE AVIS            ➜    Un Cunningham portuaire et maritime
L'artiste britannique Tacita Dean, née en 1965, utilise aussi bien la photographie, l'installation, le dessin et le cinéma 16 mm. Dans ce dernier domaine on lui doit un film absolument passionnant consacré à Merce Cunningham, Craneway Event. Fidèle à sa volonté de sortir la danse des théâtres, le chorégraphe et sa compagnie investissent début novembre 2008 une ancienne usine Ford construite dans les années 30, située dans le port de Richmond, en Californie, et maintenant nommée Craneway Pavilion. Réhabilitée, elle est devenue un immense loft d'environ 120 mètres de long sur 20 de large, absolument vide — si ce n'est un plancher de danse noir amovible installé pour l'occasion — riche, des trois côtés du bâtiment, d'une immense verrière traversée d'une lumière magnifique. Un bateau est amarré à quelques mètres à peine. C'est la baie de San Francisco, qui se déverse dans le Pacifique. Au loin, on aperçoit les ponts suspendus qui donnent sur cette ville. La région comprend plusieurs parcs naturels. 

Dans ce cadre exceptionnel, la cinéaste suit trois jours de répétitions de la compagnie, composée de 14 danseurs. Merce Cunningham a 89 ans. Il se déplace en fauteuil roulant. Son esprit est toujours vif, son visage mobile et ses yeux attentifs à tout. À l'époque, personne ne sait qu'il mourra presque neuf mois plus tard, le 26 juillet 2009, à 90 ans. 

On peut parler de "cinéma vérité" dans la mesure où il n'y a aucun commentaire ni aucun effet. La compagnie répète même dans ce que l'on nomme "le silence". On sait, depuis John Cage, compagnon de Cunningham fort  longtemps, que ce mot a un tout autre sens que seulement "absence de musique". Il signifie intensité de la présence (humaine, animale, végétale, et des éléments naturels), ici et maintenant. 

Craneway Event est un document(aire) exceptionnel sur la quotidienneté de la compagnie. Le film avance tranquillement, pas à pas, au rythme de la vie. 

Fabien Rivière